CENTROCENTRO

Planta 1 

Notre-Dame de París. La exposición aumentada

Organizan: Histovery, Ente Público Encargado de la Conservación y Restauración de la Catedral de Notre-Dame de París, con el patrocinio exclusivo de L’Oreal Groupe

Hasta el 14 de julio, martes a domingo, de 10 a 20 h

Último turno a las 18:30 h

La sala se desaloja 15 minutos antes del cierre del centro, 19:45 h

Duración estimada de la visita: 60-90 min

Precio: 3€ (general)

2,40€ / 1,50€ (reducida)

Gratuito menores de 12 años y centros escolares de secundaria y bachillerato

Edad recomendada: todos los públicos

Notre-Dame de París. La exposición aumentada descubre la historia de esta obra maestra del gótico francés desde su origen en el siglo XII, pasando por sus 850 magníficos años de historia, hasta su meticulosa restauración tras el devastador incendio de 2019.

Los visitantes pueden recorrer la exposición equipados con una tableta HistoPad y escanear las 21 “puertas del tiempo” para embarcarse en un viaje interactivo a través del tiempo y la historia, que incluye la fastuosa boda del rey Enrique IV, la coronación de Napoleón Bonaparte y la construcción en el siglo XIX de la emblemática aguja de Notre-Dame, obra de Viollet-le-Duc, trágicamente destruida por el incendio.

Planta 2

Centro de Interpretación del Paisaje de la Luz

De martes a domingo, de 10 a 20 h Precio: Gratuito

El Centro de Interpretación del Paisaje de la Luz reúne toda la información sobre los valores que han hecho que este singular paisaje cultural pase a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Edad recomendada: Todos los públicos

A través de paneles, vídeos y tabletas muestra la historia, el arte, la naturaleza, la ciencia, el modelo universal y todo aquello que hace que el Paisaje de la Luz cuente con un Valor Universal Excepcional. Además, la maqueta del Paisaje de la Luz, sobre la que se proyecta un videomapping, recorre la evolución del bien a lo largo de los siglos.

Cada seis meses una de las entidades ubicadas en el Paisaje de la Luz cede, como institución invitada, algunas de sus piezas para así poder conocer mejor el gran valor que todas ellas atesoran.

Planta 3

Wet Dreams. Mayrit Bienal de Diseño y Arquitectura

Hasta el 25 de agosto, de martes a domingo, de 10 a 20 h

Precio: gratuito

Edad recomendada: todos los públicos

Wet Dreams aborda el agua más allá de su comprensión como un recurso, explorando su papel como catalizador en las relaciones ecosociales. La exposición destaca prácticas de diseño que adoptan enfoques decoloniales, cuir e hidrofeministas, enfatizando formas de encarnación, solidaridad y deseo en relación con cuerpos de agua y las materias fluidas.

Wet Dreams habla de aguas curativas, tóxicas y residuales, de fluidos corporales. Invita a lluvias, ríos, embalses y barros. Convoca a las alcantarillas, las válvulas que regulan flujos, los conductos ocultos dentro de las paredes, sótanos y techos. Invoca el mundo de las mangueras y de las tuberías. También a los orificios que dan entrada a los líquidos que empapan nuestros mundos, así como a las fugas, goteos y desbordamientos ocasionales de lo reprimido.

Planta 4 

La ciudad visible / La ciudad en juego

Hasta el 25 de agosto, de martes a domingo, de 10 a 20 h

Precio: gratuito

Edad recomendada: todos los públicos

Una exposición que propone una mirada al videojuego desde su potencial para transformar la ciudad y muestra cómo a través de este medio se representa y se construye lo urbano.

Comisariada por Luca Carrubba y Eurídice Cabañes (ArsGames), reúne una veintena de proyectos nacionales e internacionales que emplean diferentes técnicas compositivas y estéticas, desde la fotografía a la escultura pasando por la instalación, audiovisuales e intervenciones lúdicas. Un recorrido abierto que tiene como objetivo compartir una perspectiva crítica que amplíe la visión sobre el videojuego más allá de mero objeto de consumo, destacando la función transformativa del ludus (el juego), como espacio de creación y reflexión colectiva en torno a la ciudad.

Planta 2, 4 y mirador  

Vida del Palacio de Cibeles

Exposición permanente. Martes - domingo, 10:00 - 20:00 h

Precio: gratuito

Edad recomendada: todos los públicos

Ante el colapso que desde mediados del siglo XIX sufrían las obsoletas oficinas de Correos y Telégrafos de la Puerta del Sol, el Estado español decidió construir una nueva sede central en la que agrupar los servicios postales y telegráficos que exigía una ciudad en pleno desarrollo y expansión.

Se eligió el solar ocupado por los Jardines del Buen Retiro en la plaza de Emilio Castelar (hoy de Cibeles), nuevo centro urbano accesible tanto para la población de un saturado casco histórico como para los habitantes de los nuevos ensanches. Convocado el concurso público en 1904, resultaron ganadores los dos jóvenes arquitectos Antonio Palacios y Joaquín Otamendi.

La nueva sede central de Correos y Telégrafos de Madrid asumió desde incluso antes de su inauguración en 1919 el destino de convertirse en polémico protagonista de la iconografía madrileña. Guste o no guste, la fachada del Palacio de Cibeles sigue siendo hoy en día la imagen más reconocible de la ciudad: la que la representa, si ello es posible, junto a la fuente que honra a su diosa y preside su plaza, en esa constelación de inequívocos iconos urbanos como la Tour Eiffel, el puente de Londres o el Coliseo romano.

Conocido como Correos por los madrileños, el Palacio de Cibeles mantuvo durante todo el siglo XX un papel crucial tanto en la vida política de la ciudad como en la personal de sus ciudadanos. Transformado desde hace más de una década en la sede institucional del Ayuntamiento de Madrid y en espacio cultural, sigue ofreciendo a la ciudadanía la esencia del carácter diverso de la ciudad: se funden en él lo castizo y lo cosmopolita, lo moderno y lo tradicional, lo señorial y lo popular para formar un conjunto polifacético, rotundo y enigmático, difícil de acotar o adjetivar.

Barbara Brändli. Poética del gesto, política del documento. PHotoESPAÑA 2024

Días de programación y horarios:

Hasta el 22 de septiembre, de martes a domingo, de 10 a 20 h

Precio: gratuito

Edad recomendada: Todos los públicos

Barbara Brändli nació en Suiza (Schaffhousen, 1932), pero se convirtió en fotógrafa en Venezuela, donde vivió y trabajó hasta el año de su desaparición (Caracas, 2011). A lo largo de cinco décadas, ante su lente posaron artistas, músicos, actores, bailarines, artesanos, modelos, políticos y empresarios de la sociedad venezolana. Si bien Brändli es reconocida internacionalmente gracias a su libro Sistema nervioso (1975), incluido por Martin Parr en su selección de los mejores fotolibros (Fenómeno fotolibro, 2017), su legado contiene material fotográfico (y no fotográfico) inestimable para la memoria histórica latinoamericana.

El valor de la obra de Brändli no se reduce a su relevancia como “documento histórico”, también reside en la manera en que ella entendió la fotografía documental. El hecho de haber sido bailarina amateur y de haber trabajado como modelo para revistas y diseñadores antes de convertirse en fotógrafa le permitió comprender la importancia del gesto y la pose. Al mismo tiempo, le condujo a experimentar en carne propia el proceso de desposesión al que el “sujeto” fotografiado es sometido al ser convertido en “objeto” de representación.

Probablemente para superar esta posición, Brändli puso en práctica una metodología de trabajo y una ética de vida que nos invitan a ver en sus proyectos las bases de una redefinición de la actividad documental: del fotógrafo como cazador al fotógrafo como tejedor de relaciones. Los proyectos documentales de Brändli, como Los hijos de la luna (1974), Los páramos se van quedando solos (1981) y Así con las manos (1979), son el resultado de largos años de trabajo en los que la autora convivió con aquellos que no se convertirían en objetos de sus fotografías, sino en sujetos de sus historias.

La exposición Barbara Brändli. Poética del gesto, política del documento muestra por primera vez una selección de fotografías y documentos de su archivo –actualmente en posesión de la Colección C&FE– que dan cuenta de su íntimo compromiso con la fotografía como herramienta para construir vínculos humanos.